viernes, 9 de enero de 2015

PINTURA GÓTICA

LA VALORACIÓN DEL VOLUMEN Y DEL ESPACIO EN LA PINTURA: GIOTTO Y VAN EYCK

            A los largo de los siglos XIV y XV hay en todas las artes plásticas una búsqueda creciente del realismo intentando captar a veces de forma exageradamente minuciosa cada detalle. El ansia de Realismo se va a plasmar en la aparición de nuevos temas: se suprimen fondos lisos y aparece el retrato, ligado al interés de los donantes de los cuadros por aparecer representados en ellos, lo cual gana importancia a medida que el  hombre se vaya considerando centro del mundo, momento que continuará el Renacimiento. Se da importancia al ambiente que rodea al hombre y por tanto a los objetos. Pero esta  evolución es lenta y  se logra primero en los Países Bajos y en Italia.

ITALIA
            La pintura gótica pasó por una serie de etapas distintas a lo largo de los siglos que dura el estilo, pero será durante el siglo XIV con la aparición en Italia de Giotto , cuando de forma definitiva se rompa con la tradición anterior y su estilo se difunda por toda Europa con el nombre de estilo italo-gótico. Sin embargo este estilo no surge de repente : tendrá su base en la pintura italiana del s XIII que cuenta con un centro de interés, Florencia,  donde en este siglo destaca la figura de CIMABUE, con obras que combinan la tradición bizantina con nuevas búsquedas en el campo del espacio, la luz y el modelado del volumen mediante el color.

En el siglo XIV se da la transformación definitiva: en Siena surge una figura de mucha importancia, DUCCIO, cuya obra se va a caracterizar sobre todo por la gran  elegancia y espiritualidad  de las figuras , visible sobre todo en la estilización de los rostros y de las manos. Ej : Maestá, 1311
Madonna Rucellai, Duccio

Ya hemos visto como en Italia hay una serie de condicionantes clásicos que la diferencian bastante de los estilos europeos; esta tradición clásica adquirió fuerza desde Niccola Pisano  y en pintura esta peculiar adaptación del Gótico se va a ver en Giotto.
GIOTTO se forma como pintor en el taller de Cimabue. Giotto va a crear un espacio propio  donde las figuras se desenvuelvan en un ambiente natural. Busca un espacio tridimensional, cosa que hasta ahora no se había tenido en cuenta: nace así el sentido de la perspectiva aunque no esté perfectamente lograda en ninguna de sus obras.
            Para representar el espacio va a tener en cuenta el volumen y ello lo consigue mediante dos procedimientos: el sombreado y la monumentalidad que da a las figuras , aunque nunca pierdan las dimensiones humanas. Los gestos de las figuras en la escena contribuyen a aumentar el naturalismo.
            En definitiva, en Giotto se aprecia una gran preocupación por el hombre y por todo lo que le rodea y para ello se inspira en un sentimiento religioso que estaba arraigando mucho en Italia: el Franciscanismo, que abre el Cristianismo a la Naturaleza , por eso va a dedicar una parte de su obra a relatar escenas de la vida de San Francisco.
            La perspectiva de Giotto consiste en que en una escena utiliza distintos puntos de vista y en consecuencia, distintos puntos de fuga, por eso existe diferente proporción entre objetos y figuras.
            Su obra se puede dividir en dos grupos: la pintura mural y la pintura sobre tabla. La pintura mural la realiza al fresco, técnica que requiere rapidez de ejecución, por eso sus composiciones no son demasiado complicadas.
            Entre sus obras murales destaca los frescos de la Capilla de la Arena en Padua, encargados por los Scrovegni y realizados entre 1304 y 1313, dedicados a un extenso ciclo narrativo de la Virgen y Cristo , incluso incluye una extensa alusión a los padres de la Virgen, Santa Ana y San Joaquín.

            Una de las escenas más completas es el Llanto sobre Cristo muerto , en la que con gran simplicidad de composición se llega a la profundidad  y mediante el sombreado a la monumentalidad de las figuras. Utiliza recursos efectistas como colocar a dos personajes de espalda para que el espectador choque con su visión en primer plano y sea obligado a mirar a los que están en segundo plano, tomando así conciencia de que existe profundidad.

Asimismo coloca a las figuras en un marco normal: se ve un paisaje esquemático porque lo que interesa es la escena, pero este paisaje no guarda proporción con la figura humana.
La escena es viva gracias a los gestos de los personajes que incluso son dramáticos: San Juan abre mucho los brazos y María, muy cerrada sobre sí misma, dos gestos aparentemente contradictorios que consiguen imprimir en el espectador efecto de patetismo. A ello también contribuye el movimiento contorsionado de los ángeles.
La composición, simple y sencilla, se articula en torno al cuerpo de Cristo , alrededor del cual van las figuras , unas con movimiento contenido y otras , violento, para así mantener el equilibrio de la composición.

Huida a Egipto, Capilla de los Scrovegni



Todas estas características de Giotto se ven en el resto de las obras destacando las que hace en la Basílica de Asís dedicadas a la vida de San Francisco. Por ejemplo:

                                La predicación a los pájaros

                                 Entrega de la capa al pobre

                              Entierro de San Francisco

            Entre sus pinturas sobre tabla destaca la Virgen con el niño de los Uffizzi en temple sobre fondo dorado. Recuerda a una matrona romana en la postura. El volumen es evidente. A pesar de su simplicidad son visibles el sentido de la profundidad y las distintas perspectivas.
Madonna degli Uffizi

            Giotto influyó en la segunda mitad del XIV y en el XV en el llamado Gótico Internacional. Después de Giotto destacó la figura de SIMONE MARTINI, que trabajó en la corte de Avignon. Martini une al gusto por el volumen de Giotto , la estilización de Siena, un gusto refinado y exquisito 


ESCUELA FLAMENCA  

            Las grandes novedades de la pintura gótica van más allá de Italia y se centran en la Escuela Flamenca desarrollada en el siglo XV. Esta escuela se basa en el Gótico Internacional, estilo de la pintura y miniatura entorno al 1400 preocupado por la elegancia, los ritmos curvilíneo ,el  modelado tonal de los colores. Buscan obras gratas, amenas, con gusto por la anécdota y el detalle. Este estilo se difundió desde Borgoña y en los Países Bajos se une a la tradición flamenca de gusto burgués.

 Ahora unos cuantos pintores protagonizan el último giro de la pintura tardogótica. Se perfecciona la técnica del óleo, se consigue pintar de un modo más cuidado, reflejando las calidades de los materiales: arrugas, cabellos, adornos y captan la luz sobre los objetos, destacando lo brillante y lo mate. Los pinceles, de una finura extrema, permiten pintar sin dejar huella en la tabla. Los protagonistas de este cambio son los hermanos van Eyck y Robert Campin (Maestro de Flemalle ?)  

Aparecen nuevos temas como retratos, temas cortesanos y escenas de género, o sea, de la vida corriente. Sobre estos espacios se refleja una luz difusa que es la que crea el espacio. Lo más usual es que los artistas empleen la perspectiva angular, que consiste en colocar la figura en un cubo geométrico colocado en sesgo entre dos pirámides visuales situadas horizontal y lateralmente .



Ejemplo de perspectiva angular o cornuta

ROBERT CAMPIN (1373- 1444) fue maestro de Roger van der Weyden. Se le identifica con un anónimo llamado Maestro de Flemalle. Utiliza una técnica minuciosa, representa paisajes convincentes produciendo la impresión de inmensas lejanías. El Díptico del Museo del Prado refleja el influjo de su discípulo.


De los hermanos van Eyck, Hubert muere joven y su trabajo es en gran parte desconocido. JAN VAN EYCK sin embargo es uno de los más grandes artistas de la Historia del Arte. Trabajó gran parte de su vida a las órdenes del duque de Borgoña.

            Su arte es conceptual, cargado de símbolos y signo, complejos y difíciles de desentrañar, cuidadoso en el detalle hasta un punto no alcanzado nunca, capaz de crear escenarios de una profundidad que supera con mucho las experiencias más racionales de sus contemporáneos florentinos. Cada objeto es lo que parece y además posee un significado oculto. De él se ha dicho que practica un realismo simbólico.


El Políptico del Cordero Místico es su obra más conocida, de grandes dimensiones y compleja temática referente a la Eucaristía .Aquí trabajó Hubert. Se representa una Anunciación. Abierto ofrece doce tablas con Dios, la Virgen y San Juan, a los lados ángeles cantores y músicos y en los extremos Adán y Eva. N la parte baja va una muchedumbre adorando al cordero sobre un altar y a los lados, peregrinos y ermitaños  a la derecha y caballeros de Cristo a la izquierda. El realismo es palpable en los rostros individualizados. La composición está muy pensada.



Uno de sus cuadros más representativos es el Matrimonio Arnolfini. Él era un comerciante italiano establecido en Brujas y lo pinta con su esposa en el ambiente de su casa: es a la vez que un retrato, una escena costumbrista y un cuadro simbólico, donde cada objeto simboliza una idea( perro =fidelidad). El realismo se ve en todos los detalles: adornos, cortinas, lámpara, que reflejan la posición social del retratado.


El artista logra crear un espacio pictórico gracias a dos factores: la luz y el espejo. La luz penetra desde la ventana y da armonía a todos los elementos del cuadro. El espejo refuerza la sensación de profundidad a la vez que da detalles que no aparecen en el cuadro. Además van Eyck hace participar al espectador ya que se identifica su posición con la de las personas que el matrimonio tenía ante sí y que aparecen reflejadas en el espejo.

 Otro retrato, esta vez para un oratorio privado sería el de La Virgen y el Canciller Rolin, donde el orgulloso hombre de confianza de Felipe el Bueno , duque de Borgoña, se arrodilla ante María en un ámbito abierto a un jardín y a un espacio inmenso obtenido por medios simples, en una superficie real minúscula . la actitud del canciller dista mucho de ser humilde, mirando a la cara al Niño. 
En el fondo aparecen árboles, animales, un puente , dos curiosos y una ciudad de bellos y ricos edificios . Se relaciona la escena con un acto de confesión por ciertos pecados capitales que aparecen representados en los capiteles del ángulo izquierdo: expulsión de Adán y Eva (soberbia), Caín matando a Abel (envidia), la embriaguez de Noé (gula). También pudiera representarse la gloria del canciller y la ciudad del fondo sería la Jerusalén celeste. Pero quizás sea más sencillo pensar que se trate de una manifestación de soberbia del Canciller.
En esta tabla van Eyck despliega todos sus recursos, desde los compositivos a los espaciales y los relativos a la luz y color.
Retrato del hombre del turbante- Jan van Eyck




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