lunes, 8 de febrero de 2010

ESCULTURA GÓTICA


INNOVACIONES ESTÉTICAS
            En el gótico se mantiene la decoración escultórica en los mismos lugares que en el Románico, es decir, portadas y capiteles, aunque estos van perdiendo importancia paulatinamente, pero además se desarrolla cada vez más la escultura exenta.
            Además se amplía la decoración al exterior  de los templos: fachadas, torres, pináculos y cimborrios se decoran cada vez más, combinándose la decoración vegetal y la de figuras cada vez más reales.
            En el interior de los templos se hace cada vez mayor cantidad de retablos que unas veces se pintan y otras se esculpen con relieves. También se hacen sillerías de coro y sepulcros.
            En cuanto a la temática, se sigue con la religiosa pero con nuevos temas : escenas evangélicas , especialmente de la vida de Cristo o la Virgen aunque también se hacen temas profanos como retratos, escenas de género También estarán entre estos temas los hagiográficos.
            Es la misma  mentalidad religiosa de la Baja Edad Media quien explica en incremento de los valores humanos en el tratamiento de los temas religiosos. Se humanizan los personajes religiosos, por ejemplo, en la Virgen con niño hay contacto entre las figuras; en Cristo en la cruz es un Cristo que sufre. A la humanización contribuye el mayor naturalismo incluso la tendencia a la idealización.
                Asimismo el artista gótico  intenta imitar  la naturaleza en sus obras buscando en ella su principal fuente de inspiración. Como se busca sobre todo la naturalidad, los rostros comienzan a individualizarse, desaparecen las deformaciones expresivas del Románico y la estilización, pero la obra a cambio de ganar naturalismo pierde simbolismo. En el mismo sentido los pliegues de los ropajes crecen en volumen y amplitud creando bellos efectos plásticos.
                Sin embargo hay que tener muy en cuenta que el naturalismo gótico no es totalmente realista sino en parte idealizado. Esto lo hace el artista para lograr una belleza ideal puesta al servicio del mensaje religioso.
            En cuanto a las portadas tienen la misma estructura del Románico si bien los arcos son apuntados y las figuras de las arquivoltas van de pie. Los temas van variando: desparece poco a poco el Pantocrátor . En la portada oeste suele ir el Juicio Final con Dios acompañado de la Virgen y San Juan. En la parte baja van diversas escenas como el peso de las almas, la resurrección, el infierno. En el parteluz suele ir la virgen o el santo a quien va dedicado el templo. En las jambas se colocan los santos.
            Otro lugar importante para colocar cualquier tipo de figuración  es la vidriera: vidrios unidos por tiras de plomo  que ocupa los amplios vanos. Se utilizan colores rojos, azules, violetas, verdes. En la Catedral de Chartres encontramos una serie de vidrieras del siglo XII que representan escenas bíblicas  pero destaca Nuestra Señora de la Bella Vidriera en la girola. 
                                                         
ESCULTURA GÓTICA EN FRANCIA Y SU INFLUENCIA
           
            Fachada Real de la Catedral de Chartres- realizada hacia 1145-1150 - es el ejemplo más destacado de la primera escultura gótica. El conjunto de la fachada está enmarcado por dos torres angulares, que siguen la tradición normanda, y presenta su superficie inferior perforada por tres puertas monumentales totalmente cubiertas de escultura, mientras que la parte superior se destinó a abrir vanos de iluminación. La iconografía de la  fachada nos presenta una teofanía apocalíptica en la puerta central, con los apóstoles en el dintel  y ancianos del Apocalipsis en las arquivoltas. En la puerta derecha del espectador hay un ciclo de infancia con acento en la Encarnación  y María en la parte superior. En la izquierda, la Ascensión de Cristo. En las jambas aparecen profetas y reyes de Israel, símbolo de la armonía entre sacerdocio y realeza . En las arquivoltas de puertas laterales se representan las artes liberales, reflejo probablemente del pensamiento filosófico de la escuela de Chartres. Las figuras de las jambas son alargadas en extremo para adaptarse al soporte arquitectónico pero es el comienzo de la liberación de la arquitectura pues empieza a recuperar el bulto redondo. Son esculturas muy hieráticas por su estatismo y sus pliegues, muy antinaturales.

            Este Pórtico influyó en numerosos edificios como en la puerta sur de Santa María de Sangüesa (Navarra).
Portada Occidental de Reims - es uno de los grandes conjuntos del siglo XIII. Trabajó aquí un taller  con fuerte dependencia formal de modelos romanos de dinastía flavia. Las obras de este taller se detectan en las jambas   y en la representación de la Visitación, ubicada en las jambas de la puerta central de la fachada oeste. Estas figuras se realizaron hacia 1230; las figuras ya están exentas de la columna, casi llegando al bulto redondo. Los rostros son expresivos e individualizados especialmente el de Santa Isabel. Entre ésta y la Virgen existe relación dramática.


Asimismo existe otro estilo con figuras  de pronunciada curva en las caderas, rostro sonriente, plegados amplios y movidos , un estilo amables, elegante y cortesano : ángel de la Anunciación.
Existe en Reims un creciente naturalismo en la vegetación  que decoraba los capiteles.

            En España en el siglo XIII se siguen los modelos franceses: Puerta del Sarmental de Burgos - 1240 - influencia de Amiens y Reims aunque la iconografía con Maiestas con Tetramorfos es un tanto arcaizante.
En León destacan las tres portadas de los pies de la Iglesia de 1260, sobre todo el Juicio Final.

ESCULTURA ITALIANA : LOS PISANO

                Nuevamente  se ha de hacer referencia a los particularismos de Italia en escultura frente al resto de Europa, pero aún así también deja entrever influencia de escultura francesa.
            El Gótico comienza con la figura de Nicola Pisano (muerto en 1284) en cuya escultura se eliminaron totalmente las reminiscencias románicas. Probablemente procedía del Sur de Italia. Se estableció en Pisa y su primera obra conocida es el Púlpito del Baptisterio de Pisa (1257) en el cual se aprecia la influencia antigua. Las figuras tienen volumen y rotundidad, dándose además un acercamiento al espacio , que presenta profundidad y distintos planos , a pesar de la confusión por la fusión de episodios. Generaliza el púlpito de planta hexagonal en alto sobre columnas, una central. Las columnas llevan entre ellas paneles donde van las esculturas.
            En el Púlpito de Siena y en la Fuente Mayor de Perugia trabajó con sus ayudantes, entre ellos su hijo Giovanni y Arnolfo di Cambio.
            Giovanni Pisano  sigue la tradición de los púlpitos que había heredado de su padre, aunque sus figuras son más dramáticas, más movidas y más clásicas debido a las curvas suaves de sus cuerpos , que se hacen torbellinos cuando la escena es más dramática : Matanza de los Inocentes del Púlpito de la Catedral de Pistoia .El autor huye de los espacios vacíos , gran movimiento.
Realiza también el Púlpito de la Catedral de Pisa- textura menos refinada que su padre
            En la primera mitad del siglo XIV trabaja Andrea Pisano que realiza las de bronce Puertas del Baptisterio de Florencia- 1330- hace las puertas divididas en arcos lobulados y dentro coloca las escenas . Todas sus figuras tienen cierto nerviosismo en gestos y ropajes y hay abundantes alusiones al paisaje. Limita el número de figuras a las indispensables y en cierto modo rechaza los valores clásicos aunque es precursor de ideales renacentistas.
            Su hijo Nino Pisano realizó escultura exenta sobre todo vírgenes de gran delicadeza  y dulzura, preferiblemente en mármol.

LA ESCULTURA DE KLAUS SLUTER

            A partir de la segunda mitad del siglo XIV y durante todo el XV el acento  religioso adquiere ciertos acentos místicos, de ahí  la predilección que tienen los escultores de hacer piezas sueltas, pero sobre todo monumentos funerarios. Estos suelen llevar al enterrado yacente, vestido con ropajes solemnes pero lo más importante es el rostro que quiere ser un auténtico retrato. Este yacente va sobre una base en la que se encuentran cortejos en los que ocupa un lugar importante la figura del pleurant o plañideros, que se tapa la cara con un velo.
            Esta escultura mucho más natural que la hecha hasta entonces es la base de la creación de la escuela borgoñona francesa que se forma bajo la dirección del holandés Klaus Sluter, que trae a Francia el realismo de los Países Bajos , que en Francia se mezclará con toda la tradición escultórica anterior.
            Sluter llega a Borgoña con motivo de la boda del duque de Borgoña, hermano del rey de Francia. En Dijon comienza su obra en la Cartuja de Champmol. Su obra es monumental y la escultura queda plenamente integrada en el espacio que tiene alrededor. El ejemplo de esto es el gran Calvario en el cementerio de la Cartuja, conjunto destruido en la Revolución Francesa, del cual se conserva el pedestal llamado el pozo de Moisés : tiene forma hexagonal y lleva estatuas de seis profetas separadas por columnas y sobre ellas ángeles con sus alas desplegadas . Sus cabezas tienen aire de tristeza y los gestos de las manos son de gran expresividad. Sus vestidos amplios y pesados se extienden en pliegues verticales produciendo gran realismo y fuerza expresiva.
            De todo el conjunto destaca la figura de Moisés y la de Isaías, de gran naturalismo.
            Otra de sus grandes obras es el sepulcro del duque de Borgoña, Felipe el Atrevido, que marcará el modelo de sepulcros para todo Europa. Los personajes que acompañan al difunto, con sus variadas expresiones y posturas reflejan gran realismo.
            La escuela borgoñona influirá mucho en España, en la obra de Gil de Siloé , cuyos sepulcros en la Cartuja de Miraflores acusan su influencia en el gusto por el detalle : Sepulcro de Juan II y su esposa y Sepulcro del Infante don Alfonso



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