jueves, 4 de marzo de 2010

ARTE VENECIANO DEL SIGLO XVI

EL ARTE VENECIANO EN EL SIGLO XVI

ARQUITECTURA
Venecia es el tercer centro artístico en Italia, ciudad muy próspera que mantuvo estrechas relaciones con Oriente, por lo que tardó más en aceptar las ideas del Renacimiento pero a raíz de la caída de Constantinopla en manos turcas en 1453, el estilo se hizo allí más vivo y esplendoroso.

JACOPO SANSOVINO va a ser el arquitecto que cree la nueva tipología de palacio veneciano : Palacio Corner , con tres pisos, ya que el inferior era inutilizable debido a la humedad. El muro debe de pesar poco y se abren grandes vanos entre columnas que soportan cornisas.

Su gran obra va a ser la Biblioteca de San Marcos, en la plaza del mismo nombre, cuyo sistema de articulación de vanos recuerda al Coliseo y al Teatro Marcello en la galería de arcadas. Es el contrapunto al Palacio Ducal, con el que converge en perspectiva. Tiene una marcada tendencia a la horizontalidad y por ello a los dos pisos se le añade una balaustrada con estatuas. El esquema rítmico de las arcadas va a ser típicamente veneciano y lo va a adoptar Palladio. Sansovino a su vez lo extrajo del Tratado de Arquitectura de Serlio. Se trata de un tramo con dos columnas jónicas que soportan un entablamento y que a su vez enmarcan un arco de medio punto apeado sobre columnas más pequeñas.

PALLADIO nace en Vicenza en 1508. En su formación influyó el Tratado de Serlio y su conocimiento de Roma. El también escribió cuatro libros de arquitectura, que son los tratados más difundidos de toda la Historia del Arte tras el de Vitrubio. Su difusión hizo que su estilo se divulgase por Inglaterra (neopalladianismo) en los siglos posteriores y que de aquí pasase a Estados Unidos.

Palladio hizo arquitectura religiosa y civil. Dentro de la civil :

Arquitectura urbana –

- Basílica de Vicenza- es una basílica civil, como las romanas y es un edificio gótico al que Palladio agrega un forro en loggia o galería doble como en el teatro Marcello donde repite el “motivo palladiano” , que es básicamente el tramo rítmico de Sansovino , pero le añade óculos a los lados del arco, lo que le confiere un aspecto más pictórico

- Palacio Chiericati- Vicenza, es el más romano de sus palacios

- Palacio Valmarana- por influencia de Miguel Ángel utiliza pilastras gigantes.

- Teatro Olímpico- resucita el modelo de teatro clásico en cuanto a disposición de planta pero los elementos decorativos nos señalan la cercanía del Barroco; además hay un efecto de ilusión perspectiva.
Villas campestres-son edificios de estructura sencilla, inspirados en templos romanos, pues él creía erróneamente, que las casas y villas romanas debían ser igual que los templos.

Villa Rotonda- edificio de planta cuadrada con un salón central cubierto por cúpula . Las habitaciones se abren en los ejes del edificio. Tiene cuatro fachadas iguales hexástilas y jónicas a las que se accede por una escalinata.

Construcciones religiosas:

Palladio va a utilizar el plan longitudinal de una o tres naves para sus iglesias. En ellas dispone los espacios como si fuesen independientes: por un lado la nave y por otro el presbiterio y el coro. Introduce un cancel de columnas que separan el coro del altar mayor y este a su vez puede ir separado del resto de la iglesia por un gran arco triunfal.

San Jorge, Venecia- la fachada va sobre un podio con escalinata. Se parece a las de Alberti pero Palladio no las conocía. Ante la nave principal un orden gigante soporta un frontón y para las capillas laterales hay un orden más pequeño con semifrontón. Se inspiró en el Panteón.

Iglesia del Redentor
PINTURA

Venecia encuentra su verdadera personalidad en la pintura, llegándose a fundar allí una escuela que se va a caracterizar por el culto al color que va a sobrepasar en importancia al dibujo. La atmósfera húmeda de la ciudad, que desdibuja los contornos, es un factor que influye en esta nueva concepción de la pintura colorista además del carácter alegre y vividor de las gentes de Venecia. Se exalta la riqueza y el lujo. Los temas preferidos van a ser los mitológicos, el retrato y el paisaje por primera vez.

GIORGIONE (1478-1510) usa el sfumatto, no como Leonardo, para idealizar sino para crear atmósfera. Luz, color y captación del ambiente son sus preocupaciones así como la temporalidad de los elementos.

La tempestad – el paisaje actúa como instrumento de expresión espacial desplazando el protagonismo del tema

El concierto campestre – Síntesis entre Naturaleza y Humanidad con referencia a la Antigüedad y al presente.
Venus

TIZIANO

Tiziano va a estar influido por Giorgione. A lo largo de su vida manejó siempre los colores con gran maestría dejando al lado las reglas tradicionales de la composición y del dibujo y caminando hacia una liberación de la pincelada cada vez mayor. Si sus primeras obras reflejan la preocupación por la forma y los detalles, las últimas serán hachas a base de pinceladas mucho más largas , con colores aplicados a manchas como hará posteriormente el Impresionismo. Trabajó varios temas: el religioso, el mitológico y los retratos. Su extensa vida se puede dividir en varias etapas :

1ª etapa – está vinculado a Giorgione. Trabaja con una técnica rápida en grandes formatos. Aplica colores cálidos mezclados con platas.

Amor Sacro y Amor profano- 1515. La figura desnuda simboliza la felicidad eterna y la vestida es la felicidad terrena, símbolo de los placeres mundanos. Cupido debe conducir al Amor terreno hacia el Divino. El paisaje cobra importancia aunque es un tanto idealizado.

Bacanal- 1519 – trabaja con escorzos; demuestra gran amor al desnudo copiando de Miguel Angel y de la escultura antigua.

Tiziano va a Ferrara y a Roma y cuando vuelve a Venecia, lo hace rodeado de una gran fama.

2ª Etapa- 1520-1530

Trabaja temas religiosos muy enraizados en la tradición veneciana. Hace dos estratos: el celestial con figuras recortadas a contraluz, envueltas en aureola y abajo una luz más apagada.

Virgen de Pesaro - la Virgen ya no está aislada, visión diagonal con extraordinaria relación entre las figuras, perdiendo sentido sagrado; coloca como integrantes del cuadro a los donantes. El estandarte da unión a la composición y contrasta con la marcada línea diagonal que sin él tendría.
3ª Etapa – 1530- 1545

Va a trabajar temas mitológicos y va a crear el tipo de retrato oficial de extremada vitalidad y de impresión de cercanía.

La Venus de Urbino-1538- el tema lo inició Giorgione pero Tiziano lo ambienta en una habitación por lo que resulta más realista. La pintura es más evolucionada, de gran calidez en el color y sensualidad.

Dánae fecundada por la lluvia de oro- un poco posterior por lo que tiene la pincelada más suelta. Dánae es encerrada por su padre para mantenerla alejada de Júpiter pero éste penetra en su jaula convertido en lluvia de oro. De esta unión nacerá Perseo. Este cuadro fue un encargo de Felipe II , que era un gran humanista.

Su fama le llevó a ser contratado como retratista de Papas, cardenales y reyes. Cultiva un retrato sencillo de gran fuerza expresiva.

Retrato de Francesco della Rovere – retrato de ¾. Fidelidad al retratado en la impresión de dignidad y en la exactitud de la posición social, en su personalidad en la condición de guerrero.

Carlos V – Son retratos muy anchos que le permiten reflejar el ambiente. Fue nombrado pintor de Corte de Carlos V y de su hijo Felipe II. Su influencia se va a dejar sentir en Velázquez. Hace un retrato de tipo flamenco, de cuerpo entero, donde reduce al mínimo las influencias espaciales y se recrea en el estudio de las luces
Carlos V en la Batalla de Mülberg-1548- es el prototipo de héroe guerrero (coraza, lanza) y también de buen gobernante a lo que se alude en el hecho de que lleva el caballo con una sola mano. La luz es de atardecer y provoca fuertes contrastes. Los colores son cálidos y la pincelada suelta.

Retrato de la emperatriz Isabel de Portugal- refleja su belleza cargada de saudade.

:
Retrato de Paulo III y sus sobrinos – 1546- capta el ambiente de engaño de la curia pontificia, prototipos de astucia y adulación.
Etapa Final

A partir de ahora le interesa la luz sobre el color y va a utilizar básicamente el blanco, el pardo y el rojo. Menosprecia en acabado y la belleza formal

Coronación de Espinas – utiliza colores contrastados, escorzos y posturas difíciles, canon distorsionado, verticalizante, agolpa las figuras en primer plano y todo ello da un resultado dramático, fantasmal y manierista.La luz centellea y hay exageración en todos los sentidos.
Entierro de Cristo.


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