ANÁLISIS DE LA OBRA DE ARTE

El arte es una forma de expresión del ser humano, por tanto, es comunicación por parte del artista que espera ser comprendido. Nuestra primera reacción ante una obra de arte suele ser expresar nuestra opinión sobre si nos gusta o no pero para llegar a comprenderla debemos de profundizar en el conocimiento de la época en que fue concebida,  en la intencionalidad del artista o en la del promotor de la obra, en el lenguaje utilizado, es decir, la técnica que se basa en un conjunto de elementos materiales que vamos a analizar en la llamadas artes mayores: arquitectura, escultura y pintura.

ARQUITECTURA

La arquitectura es la creación de espacios interiores que normalmente llevan asociada una función. La construcción de espacios interiores plantea la dificultad de las cubiertas, ya que exige mayores dificultades técnicas y de ella depende toda la estructura del edificio y el estilo. Así por ejemplo, la aplicación en el gótico de arcos apuntados permitió la construcción de cubiertas más estables y ligeras que en la época inmediatamente anterior, el románico, cuando se utilizaban arcos de medio punto.

Para analizar el espacio arquitectónico debemos observar las cubiertas o elementos sostenidos y también los elementos sustentantes.

Elementos sustentantes

 Los muros

Los muros o paramentos están condicionados por la forma de colocar el aparejo o elementos materiales que lo forman. El aparejo puede ser regular o irregular.

En el primer caso las piezas que lo conforman son del mismo tamaño. - El aparejo regular puede ser isódomo, todas las piezas llevan su cara más larga de frente, a soga y tizón, van alternando una cara larga y una corta y almohadillado, donde llevan los bordes rehundidos. Los elementos utilizados suelen ser el ladrillo (adobe cocido) o el sillar (piedra).

En los muros, además de la parte construida, existen los espacios abiertos o vanos: puertas y ventanas. La parte baja de las puertas se denomina umbral y la de las ventanas alféizar. Los laterales reciben el nombre de jambas y en la Edad Media se solían decorar con esculturas.

Los pilares y las columnas

Los pilares son elementos sustentantes verticales de sección poligonal (cuadrado sobre todo)

En la Edad Media los pilares solían ser cruciformes, ya que en cada brazo de la cruz apoyaba cada uno de los cuatro arcos procedente de cada tramo de  la cubierta. Los pilares que tienen forma de pirámide invertida se denominan estípites y se utilizaron en el barroco. Si los pilares están adosados a un muro, entonces los llamamos pilastras.

Las columnas son elementos sustentantes verticales de sección curva, generalmente circular. En la antigua Grecia las proporciones de la columna eran muy estudiadas y la forma de ordenar los elementos de la columna marcaba el estilo: orden dórico, jónico o corintio. Las partes de la columna eran basa, fuste ( ligeramente ensanchado en el centro, éntasis) y capitel.

Elementos sostenidos

El dintel

Denominamos dintel a todo elemento sostenido horizontalmente y construido de una sola pieza. La arquitectura que utiliza el dintel se llama adintelada y resulta muy estática, bueno ejemplos son la arquitectura egipcia y griega.

El conjunto de elementos que se hallan sobre las columnas en época clásica se denomina entablamento y está formado por arquitrabe (dintel), friso y cornisa. Sobre la cornisa va la cubierta cerrada en los frentes por un frontón.

El entablamento más utilizado en la antigua Grecia es el dórico que se originó con el paso de la construcción con vigas de madera a la piedra

La aquitectura adintelada suele ir rematada por tejados a dos o más vertientes. El elemento fundamental de esas cubiertas es la cercha o cuchillo, una armadura triangular que, repetida cada cierta distancia , permite cubrir todo el techo. En el arte clásico la cercha originó el frontón, que fue un magnífico soporte para la escultura.

El arco

El arco es un elemento sostenido, utilizado para cubrir vanos, de forma generalmente curva. Se halla constituido por varias piezas , llamadas dovelas, que encajan entre sí a modo de cuña. La forma convergente de las dovelas impide que éstas se caigan, porque desaparece el empuje vertical y se transforma en otro oblicuo que recae sobre la dovela contigua y así sucesivamente.

El hecho de que los empujes fueran oblicuos supuso una profunda revolución en la historia de la arquitectura, ya que con ingeniosas soluciones impedía que se derrumbaran los muros. Los arcos más utilizados son el arco de medio punto y el aro apuntado.

El arco dio origen a otras cubiertas como la bóveda y la cúpula.

a-    La bóveda.  La bóveda surge de la proyección imaginaria de un arco a lo largo de un movimiento de traslación, generalmente recto. La proyección de un arco de medio punto origina una bóveda de cañón. Otra bóveda muy utilizada es la de arista, que surge del cruce de dos bóvedas de cañón, repartiendo así el peso en cuatro puntos.  La bóveda de arista reforzada con nervios da lugar a la bóveda de crucería.

b-    Cúpula- es la cubierta surgida de la proyección imaginaria de un arco en un movimiento de rotación. El arco e medio punto genera la bóveda semiesférica o de media naranja. La cúpula suele ir asentada sobre un tambor o cuerpo de luces y en su remate suele llevar una linterna, que ayuda a la iluminación. La cúpula tiene el problema de su asentamiento en una base cuadrada. Para pasar de una cubierta circular a una base cuadrada se utilizan las trompas (1/4 bóveda de cañón) y las pechinas (triángulos esféricos).

ESCULTURA : MÉTODOS ESCULTÓRICOS

 La escultura se preocupa principalmente de los volúmenes externos, por ello, para apreciarla desde el exterior es necesario tener en cuenta muchos puntos de vista y este espacio exterior también condiciona la escultura.

Tipos de esculturas

Las obras escultóricas pueden clasificarse en dos grupos:

-       Obras de bulto redondo, también llamadas esculturas exentas. Se trata de obras aisladas, visibles desde distintos ángulos y que pueden ser rodeadas por el espectador.

-       Relieves. Se trata de esculturas que se realizan sobre una superficie y que sobresalen de ella. Según sobresalga del fondo reciben distintos nombres:

·      Altorrelieve, cuando el bulto sobresale más de la mitad

·      Mediorrelieve- cuando sobresale la mitad

·      Bajorrelieve- menos de la mitad

·    Schiacciatto – cuando el relieve está prácticamente rehundido en la superficie, técnica muy utilizada en el Renacimiento italiano.

En cuanto a los géneros, es decir, el tema representado, existen retratos, escultura ecuestre (con el retratado a caballo), busto, cuando sólo se representa una cabeza y parte del tórax, escultura funeraria etc.

Técnicas escultóricas

Las esculturas pueden hacerse añadiendo o sustrayendo material.  El primer método añade material a un núcleo mínimo bien sea arcilla, metal, madera.  El 2º método sustrae material de un bloque compacto, bien sea piedra o madera. Este método tiene el inconveniente de que un error es difícilmente subsanable, por lo que se hacen muchos estudios previos.

Las principales técnicas son la talla, el modelado, la soldadura, la fundición y el ensamblaje La técnica suele depender del material en que se realicen.

·      Talla- Se parte de un bloque en bruto de piedra o madera y se procede a su corte. Después se perfecciona con diversos instrumentos (cinceles, gubias, brocas) y se alisa (con cepillos, lijas o limas). Más adelante se le pueden ensamblar partes que no pertenecen al núcleo original, sobre todo si es de madera.

·      Modelado-se trata de una técnica muy rápida sobre materias blandas (arcilla, yeso), lo que se suele utilizar para hacer bocetos antes de pasar la escultura a materiales más duros.

·      Fundición- Se suele usar con el bronce. Desde el siglo VI a.C  en Grecia se utiliza la técnica de la cera perdida para trabajar el bronce: consiste en realizar un modelo en arcilla. Este modelo se cubría con una capa de cera y se perfeccionaban los detalles de la escultura. Sobre la capa de cera iba otra de arcilla , uniéndolo al núcleo con púas, dejando un orificio en la parte superior para verter en bronce fundido y otro en el inferior para que salga la cera. Se vertía el metal  y al enfriarse se rompía la capa exterior de arcilla y se quitaban las púas para después pulir la superficie.

·      Soldadura- Esta técnica se usa desde la Revolución industrial y consiste en la fusión de materiales metálicos para unirlos.

·      Ensamblaje- técnica empleada modernamente y que consiste en unir diversos materiales

PINTURA

La pintura es esencialmente color. Generalmente se representa en dos dimensiones aunque la tercera dimensión suele ser fingida gracias a recursos como la perspectiva, el escorzo o el claroscuro. La mayoría de las técnicas pictóricas se desarrollan añadiendo al pigmento o color, un aglutinante.

Técnicas pictóricas

*El fresco se realiza sobre el revoque de la pared aún húmedo. Este revoque contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal. Al secar, se obtiene carbonato cálcico , que es muy resistente a los agentes exteriores, esta circunstancia permite utilizar el fresco en exteriores. Al usar agua de cal los colores quedan blanquecinos por lo que resulta una pintura muy luminosa. Esta técnica tiene el inconveniente de que seca en el día y no permite ser retocada.

*La acuarela. Las acuarelas dejan transparentar el papel y por tanto son muy luminosas. Para disolver la pintura se utiliza agua por lo que seca muy rápido y la técnica empleada ha de ser muy suelta y rápida.

*El temple- Utiliza huevo como aglutinante, por ello es más brillante y lento en secar facilitando el retoque y el detalle .

*El óleo- utiliza aceite de lino o linaza como aglutinante y es el  procedimiento más lento en secar por eso también permite múltiples retoques y una gran calidad en el detalle. Fue la técnica más empleada desde el siglo XVI. El aceite oscurece la pintura con el paso de los años , por ello requieren a veces limpiezas pasado el tiempo.

*La encáustica- se utilizó en la antigüedad, como en la Roma Antigua, utiliza resinas y ceras para aglutinar. Las ceras actuales de los escolares sería una versión de esta técnica.

*Los acrílicos utilizan como aglutinante el ácido acroleico, se utiliza mucho a lo largo del siglo XX y tiene las mismas ventajas que el temple o el óleo aunque tiene menor capacidad para cubrir.

*El mosaico. El color lo proporcionan las teselas o pequeñas piezas de piedra , vidrio o metal , con las que compone el mosaico.

*La vidriera- son vidrios de colores  conseguidos al fundirlos a altas temperaturas con pigmentos .Estos cristales componen un dibujo previamente diseñado y para ello se unen sus bordes con plomo. Esta técnica fue utilizada sobre todo en el Gótico.

ELEMENTOS DE LA PINTURA

Los elementos de la pintura nos permiten conocer mejorlos estilos y la técnica de cada artista.

El dibujo

Las formas de las figuras constituyen el dibujo. El dibujo puede ser lánguido, nervioso, incorrecto, vigoroso…y por tanto determina la apariencia final de una pintura. El dibujo transmite la personalidad del autor, tal sería el caso , por ejemplo de Fra Angelico de líneas suaves o Boticelli, de dibujo marcado y eléctrico.

El color

Es el elemento esencial de la pintura. Los colores se dividen en cálidos (rojo, naranja, amarillo) y fríos, (azul, verde, violeta) . Los cálidos son intensos, vitalistas y los fríos son relajantes y sedantes. Los cálidos acercan y agrandan los objetos al espectador y los fríos alejan.

La teoría de los colores complementarios ayuda a entender porqué los colores deben combinarse. Los complementarios: azul-naranja, amarillo-violeta, rojo-verde, se refuerzan entre sí. Con estos seis colores el pintor puede trabajar para conseguir cualquier tonalidad.

La luz

Con colores de combinaciones y tonos el pintor puede conseguir efectos luminosos en el cuadro, que por supuesto son fingidos. Hay grandes pintores que fueron maestros de la luz, generando luces y sombras y creando así la sensación de tridimensionalidad o bien con luces intensas y vibrantes que captan la esencia del momento, como si de una fotografía se tratase.

La profundidad

 Ya hemos dicho que la pintura se realiza en dos dimensiones pero a menudo ha buscado la representación de la tercera dimensión o la profundidad.

La perspectiva es la forma de conseguir la representación de un espacio tridimensional. Aún así podemos hablar de distintos tipos de perspectiva:

La perspectiva jerárquica se utilizó en la Antigua Mesopotamia, en Egipto, en la Edad Media y consiste en representar las figuras humanas de distintos tamaños dependiendo de su importancia social, a mayor importancia, más tamaño.

La perspectiva utilizada por los romanos empleaba distintos puntos de vista, como si el artista hiciera cada parte del cuadro desde un enfoque diferente. Pero fueron capaces de intuir la forma en que el ojo capta la realidad.

La perspectiva caballera fue muy utilizada en la Edad Media y consiste en representar las cosas desde un punto de vista elevado.

Al final de la Edad Media los flamencos utilizaron la pespectiva cornuta, que eran dos pirámides visuales sesgadas superpuestas.

La perspectiva en sentido estricto, es un descubrimiento de científicos y estudiosos del Renacimiento.

 El artista y teórico León Battista Alberti definió la perspectiva científica o matemática al observar que el ojo percibe los objetos más pequeños en la distancia y cómo las líenas convergen en un punto , llamado punto de fuga. De esta teoría van a derivar todas las representaciones del Renacimiento.

 Pero Alberti también se da cuenta que los objetos en la distancia se degradan no sólo en tamaño sino en color  ya que la atmófera interviene en la visión, entorpeciéndola: los límites se desdibujan, los colores pierden intensidad: es la llamada perspectiva aérea, puesta en práctica desde finales del siglo XV pero sobre todo en el Barroco.

La composición

Todos estos elementos de la pintura citados tienen un orden en el cuadro. Esta disposición de los distintos elementos en la pintura es lo que conocemos por composición y según sus características puede transmitir serenidad o inquietud al espectador. Las composiciones más complejas son simétricas, con figuras dispuestas en círculos o utilizando la proporción áurea.

Géneros pictóricos

Según el tema representado la pintura puede ser:

-       retrato

-       paisaje

-   bodegón- o naturaleza muerta, representa objetos cotidianos, inanimados.

-  Pintura de Historia, representa acontecimientos históricos

-       Pintura de género, recoge escenas de la vida cotidiana