lunes, 12 de abril de 2010

PINTURA DEL QUATTROCENTO


En pintura no hay antecedente clásico que sirva de referente . La recuperación será mental, ideal. El pintor se inspira en la escultura, en la naturaleza. Se quiere plasmar la realidad, representar un color real y para eso poco a poco se pasa a comprender que éste es modificado por la luz. Se dan cuenta también que los objetos generan sombras.
Características:
-         El ser humano es el tema principal. Hay interés por el estudio anatómico y por ello se introduce el desnudo.
-         Naturalismo idealizado en la representación.
-         Nuevas técnicas como la pintura al óleo, soporte en lienzo, esbozos preparatorios etc.
-         Dominio del dibujo sobre el color.
-         Uso de esquemas formales sencillos geométricamente. Se impone la claridad en la composición.
-         Se aplica la perspectiva lineal teorizada por Alberti que asimismo teoriza la perspectiva aérea: la relación tamaño-distancia se completa con la de color-distancia. Alberti explica que un objeto nos sale al encuentro no sólo por su tamaño sino por su color. Junto a la distancia hay otro elemento fundamental en la perspectiva que es el aire, que modifica el color, degradándolo a medida que un objeto se aleja.
-         Interés por la luz, relacionado con el punto anterior. Se utiliza el claroscuro, técnica que consiste en definir los contornos de las figuras a través de los contrastes entre zonas iluminadas y zonas de sombra.
-         Nueva temática: algunos géneros cobran importancia como el retrato, temas mitológicos, surge el paisaje que llega a convertirse en tema principal:
-         El retrato se impone como género, siendo ahora retrato del individuo y no del personaje en función de su condición social
Masaccio será el gran pintor florentino de la primera mitad del siglo XV a pesar de su temprana muerte a los 27 años deja obras de fundamental influencia. Formado en el taller de Masolino, entiende que la realidad se tiene que plasmar en el volumen. Se fija en la escultura de Donatello y en los estudios de perspectiva. Entiende que el color es el elemento fundamental e inicia los primeros balbuceos del claroscuro. 

Cuando se exhibe su obra en el interior de la iglesia de Santa María Novella, la gente queda sorprendida ante la capilla que parece abrirse en sus paredes: en ella aparece representasa la Trinidad, con San Juan y la Virgen a los lados y arrodillados en los extremos aparecen los donantes sobre un pedestal con un esqueleto en el que se puede leer “Yo antes fui lo que vosotros; y o que soy ahora, vosotros lo llegaréis a ser” ¿Por qué tanta sorpresa y admiración? Por primera vez en Florencia se ve reproducida la realidad arquitectónica con tanta veracidad que se consigue engañar al ojo y lo que es una pintura se percibe como una capilla de la iglesia. Rompe radicalmente con la tradición gótica e inicia un camino que va a condicionar los siglos posteriores. En esta obra Masaccio  recrea una bóveda de cañón con casetones, imitando la arquitectura de Brunelleschi e inspirándose en la Antigüedad clásica.



            El espacio representado ya no es simbólico, sino concreto y los personajes son del mismo tamaño, ya no hay la perspectiva jerárquica del gótico. La composición está muy estudiada: crea una pirámide visual con tres niveles:
-         1er nivel- a la altura del espectador con los donantes
-         2º nivel- cabeza de San Juan y la Virgen
-         3er nivel- el de la divinidad, con Jesucristo y la cabeza de Dios padre.



Estos tres niveles configuran una visión plana en triángulos. Las figuras son muy monumentales, siguiendo la tradición de Giotto.

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Una obra de Masaccio poco anterior a la Trinidad fueron los frescos de la Capilla Brancacci en la iglesia florentina del Carmine. En ellos se narran los hechos de la vida de San Pedro y escenas del Antiguo Testamento, en concreto  los capítulos relativos al origen del pecado. Logra insertar las figuras en un espacio perspectivo natural. Demuestra un gran dominio de la técnica, ya que al ser fresco, no admite retoque, domina el color y el sombreado, es decir, la luz.


Expulsión de Adán y Eva del Paraíso- Masaccio pinta con el color prescindiendo de la línea, la corporeidad de las figuras es real, a través de la luz y el color consigue expresar la emoción y el sentimiento, el drama de la vida. Eva se inspira en las Venus que Masaccio conocía a través de Pisano. El paisaje es árido sin luz ni color.

En la escena del Tributo de la moneda utiliza una técnica narrativa llamada síntesis espacio-temporal, utilizada también por Ghiberti en la Puerta del Paraíso: Masaccio funde tres acontecimientos en un solo espacio sin que los tres momentos se ordenen cronológicamente : Cristo ordena a Pedro que coja del vientre del pez las monedas que el recaudador exige. Pedro las coge y las entrega al recaudador. Los dos últimos acontecimientos se sitúan a izquierda y derecha y el primero en el centro. Con ello el espacio unifica el tiempo Las figuras son sólidas, con gran volumen, que se mueven en un espacio que combina paisaje y arquitectura.


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Después de Masaccio encontramos en Florencia otra corriente  pictórica, más intimista, donde aún perviven las fórmulas del gótico Internacional y encarnada en Fra Angelico (1387-1455) que aplicó los nuevos métodos de Masaccio para expresar las ideas tradicionales del arte religioso. Fra Angelico era un fraile dominico y entre sus obras más hermosas están los frescos que pintó en el convento florentino de San Marcos. La belleza formal de sus obrar tratar de personalizar la perfección divina. Domina perfectamente la perspectiva , recreando bóvedas de arista bajo las que se sitúan pocos personales, con colores claros y actitudes  llenas de devoción y humildad, con composiciones sencillas.




            En una etapa final de su vida fue llamado a trabajar a Roma a la capilla Nicolina, encargo realizado por Nicolás V y aquí pone todo su empeño en plasmar no sólo sus conocimientos científicos (dominio perspectivo, escorzos) sino también humanistas y filosóficos.

Florencia, segunda mitad del siglo XV

La fascinación que la aplicación de la perspectiva científica supuso para los florentinos aparece reflejada en la obra de Paolo Uccello (1397-1475). Para él la pintura se reducía únicamente a este aspecto, desinteresándose por cualquier otro. Así pues los colores son arbitrarios, la luz uniforme y todo se somete a un esquema matemático. Realiza los tres cuadros de la Batalla de San Romano, siendo el más conocido el de la National Gallery, y a pesar de la escena un tanto medieval por los ropajes y el tema sorprende por su modernidad: los caballos y soldados parecen recortados sobre el fondo y dedica todo su esfuerzo a representar la perspectiva y el escorzo, creando una pirámide visual con planos sucesivos. Las lanzas del suelo refuerzan el punto de fuga, colocadas con matemática precisión dan esa apariencia de artificialidad al cuadro.


            Uccello realizó también el monumento ecuestre a Giovanni Acuto o John Hawkwood donde demuestra su dominio de la perspectiva con un trompe l´oeil, aparentando una escultura con una pintura y fingiendo un espacio donde no existe aunque sigue teniendo apariencia de irrealidad por el movimiento erróneo del caballo.


Otros autores importantes fueron :Andrea del Castagno, que crea composiciones con figuras monumentales y enlaza con Fra Angelico en la búsqueda de la belleza formal; Fra Filippo Lippi trata temas de la Virgen , temas dulces que inserta en paisajes; Benozzo Gozzoli, que realiza alegres composiciones de la vida contemporánea; 
Ghirlandaio, que al igual que el anterior trabaja para los Médicis contribuyendo a la desacralización del arte.

            La figura más destacada de la Florencia de la segunda mitad del siglo XV fue Sandro Botticelli (1446-1510), pintor al margen de todas las corrientes, traductor de filosofías neoplatónicas, para él la pintura es vehículo de expresión de contenidos morales. Se diferencian dos etapas en su obra:
-         1- bajo influencia neoplatónica y la protección de Lorenzo de Médicis


-         Etapa en la que vuelve a un Cristianismo más primitivo, etapa bajo  el fanático dominico Savonarola, que predicó contra los excesos de la sociedad florentina de la época.
Botticelli desprecia el carácter científico de la pintura de su tiempo.Le preocupa ante todo el mensaje.

Nacimiento de Venus- 1470, el origen de la historia, del mito del nacimiento de Venus, lo encontramos en Homero. La recuperación de los mitos toma vigencia entre la gente cultivada del Quattrocento. Es entre esta gente, en la familia de los Médicis, donde se encarga el cuadro a Botticelli Venus (Afrodita de afros= espuma) surgiendo del mar  tras la castración de Urano simboliza el misterio por el cual el divino mensaje de la belleza llegó al mundo, en lenguaje neoplatónico, el nacimiento cristiano de las aguas del bautismo. Venus ha emergido del mar sobre una concha y es empujada  a la playa por el soplo de unos dioses alados entre una lluvia de rosas. Dado que está a punto de llegar a la orilla, una de las Horas o Ninfas la recibe con un  manto púrpura. Botticelli crea una composición perfectamente armónica,  pero sacrifica para ello el dibujo. A pesar de contornear las figuras fuertemente con una línea gruesa, observamos errores en el dibujo en el cuello, en la caída de los hombros, en el brazo izquierdo o en los Céfiros, incluso en la ilógica postura sobre la venera.

Todo el conjunto se somete a la armonía y la belleza de la figura de Venus, con el suave cimbreo del cuerpo, que centra la composición. A los lados , las fuerzas de los Céfiros y las Horas, son contrapuestas y convergen en la figura de Venus. Botticelli prescinde de la perspectiva. Elige colores fríos  en la gama de verdes y azules. La luz es prácticamente uniforme. La pintura de Botticelli va  a contracorriente , deja de lado el aspecto científico  pero sí enlaza con el Renacimiento por la búsqueda de la belleza ideal y la recuperación de la mitología. 


La Primavera es otra de sus obras más conocidas, las figuras se disponen en friso. Aquí ya aparece una Venus terrenal, vestida, símbolo del amor sensual y humano, con Cupido a la derecha el Céfiro toca a la ninfa Cloris y la transforma en Flora. A la izquierda las tres Gracias acompañadas por Mercurio, Cupido lanza una flecha a la gracia más sencilla, Castitas, y Mercurio la introducirá en el amor divino. Botticelli sigue prescindiendo de la perspectiva y utilizando la gama de colores fríos. Se  impone la belleza, la gracia y la sensualidad de las formas femeninas en todo el conjunto.



En 1481 Botticelli va a trabajar a Roma a la Capilla Sixtina. Representa aquí los frescos del Antiguo Testamento

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. Representa aquí los frescos ambientados en  el Antiguo Testamento, son frescos con grandes formatos, muchos personajes que coloca ya en un espacio perspectivo, con referencias espaciales y cuyo mensaje busca resaltar la autoridad del Papa.

En esta época hace también la Epifanía o Adoración de los Reyes Magos en donde reconocemos a todos los personajes de la corte de los Médicis.


 Se le atribuyen también las tablas de la historia de Nastaglio degli Onesti, tres de las cuatro están en el Museo del Prado, una obra inspirada en el Decameron de Boccaccio.


Tras el destronamiento de los Médicis, 1492,  la vida florentina va a estar dominada por el fanático dominico y predicador  Savonarola que predicaba una vuelta al ascetismo y a la pureza cristiana. Bajo su influencia Botticelli llegó a quemar obras de su etapa anterior y a partir de ahora abandona el tema mitológico y se dedicará exclusivamente a los temas religiosos. El arte para él ha de ser objeto de meditación.
Realiza La Calumnia, un tema que estaba documentado en el pintor helenístico Apeles de Cos y lleno de alegorías. Midas en su trono, aparece con orejas de burro ya que es mal juez y se deja aconsejar por la Ignorancia y la Sospecha. La figura masculina es el Fraude que presenta a la calumnia acompañada de la Insidia y la Envidia. El monje simboliza la Penitencia. Mientras la Verdad se erige desnuda a la izquierda de la composición. El buen gobernante debe hacerla triunfar.

En la época de Savonarola hace obras como la Natividad, donde rechaza todo planteamiento científico por creer que la ciencia fue introducida en la pintura por instigación del demonio.

La obra de Botticelli permaneció desconocida por bastante tiempo hasta que en el XIX John Rushkin y losprerrafaelitas decidieron recuperarla.

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Pintura del Quattrocento fuera de Florencia

La adhesión al Renacimiento fuera de Florencia va a ser muy lenta. El enlace entre Florencia y el Norte de Italia será Piero Della Francesca( 1416?-1492). Nace en Umbría aunque a veces se le incluye entre los pintores florentinos. Trabajó en Arezzo y Urbino, en la corte de Federico de Montefeltro, junto a Alberti, Van der Weyden, Berruguete…Los flamencos introducen el óleo y el paisaje. Della Francesca va a Florencia donde se adhiere al círculo de pintores científicos. Admira a Ucello. Va a ser ante todo un pintor teórico: aplica la perspectiva y defiende la necesidad de colocar las figuras en un espacio perspectivo. Se basa en la geometría de Euclides y reduce todas las formas de la naturaleza a cinco formas geométricas: cilindro, cono, esfera, prisma y pirámide. Al tratamiento perspectivo une algo nuevo, la preocupación por la luz. La luz contribuye a dar sensación de profundidad, crea la atmósfera dentro del cuadro. Podríamos decir que Piero Della Francesca es el primero en poner en práctica la teoría de Alberti de la perspectiva aérea, el primer pintor de la historia del Arte occidental en preocuparse por la luz.

En El Bautismo de Cristo realiza composiciones geométricas puras: el cuadro puede dividirse en tres partes en altura y tres partes en sentido horizontal, las formas de las figuras son geométricas. La luz es clara y diáfana , los colores fríos y el cuadro logra transmitir una inusual sensación de estatismo, muy particular del pintor.



            En 1450 Piero se va a Rimini a trabajar para Segismundo Malatesta. Pinta escenas triunfales en el templo de Alberti y aprende a manejar un lenguaje simbólico destinado a ser interpretado por humanistas. Representa escenas de la vida de Cristo que pueden leerse como un friso: se relata la muerte de Adán, la victoria de Constantino sobre Magencio, la batalla de Heraclio, el triunfo del Cristianismo entre otras. A esta iglesia pertenece la escena del Sueño de Constantino (1460) pintura al fresco donde se representa el sueño del emperador romano que cambiaría el curso de la historia. La luz hace surgir las figuras, las modela, se recortan sobre el fondo oscuro de la tienda o sobre la oscuridad de la noche y en ésta destaca el rayo de luz que emana del ángel. La escena transmite calma y simplicidad.


Una obra de difícil interpretación el La flagelación de Cristo, una tabla con técnica mixta que se puede dividir en dos escenas,  a la izquierda aparece Jesucristo en un palacio romano, con Pilatos sentado, en actitud hiératica, son las manos recién lavadas sobre el regazo. Cristo está siendo flagelado; se halla en un espacio perspectivo remarcado por las líneas del suelo y el arquitrabado y cuyo punto de fuga es el verdugo. La luz penetra desde la puerta del fondo y desde la claraboya que se abre sobre Cristo. En la parte derecha, en un primer término, se sitúan tres personajes vestidos a la moda del siglo XV, que parecen conversar No se sabe el significado, puede que encubra una alusión al poder de Federico  de Montefeltro, que asesinó a su hermano para subir al trono

En el Díptico de Urbino retrata a Federico de Montefeltro y a su esposa Battista Sforza en un carro rodeados de alegorías de las virtudes. El paisaje se realiza ya bajo los principios de la perspectiva aérea.

            Para Federico de Montefeltro realiza también la Virgen de la palla Brera, donde la Virgen aparece representada, con el rostro de su mujer ya fallecida, bajo un ábside con venera y un huevo , símbolos de fertilidad y resurrección. Federico de Montefeltro aparece arrodillado en actitud humilde, los ángeles son sus hijas, la escena aparece bañada por una intensa y fría luz.

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Mantegna (+1506) va a trabajar en Mantua, en Padua,y en su formación académica incide la aparición de una corriente académica antiquizante basada en dibujos y vaciados. Su maestro Squarcione había viajado a Grecia. Mantegna se preocupará además por la creación de un espacio perspectivo para lo que se vale de violentos escorzos que generan una pintura ilusionista. Conecta con el espectador fusionando el espacio del cuadro con el suyo. Las figuras desbordan el primer plano.


            Los colores de Mantegna son cálidos y secos, sin brillo. Los paisajes son irreales, llenos de ruinas clásicas y medievales.
            Su Cristo yacente coloca la figura de en un violentísimo escorzo,  desde un punto de vista bajo, con unos colores secos  y sacrificando otros aspectos como la proporcionalidad de la figura a la sensación ilusionista de prolongación del espacio real.


            San Sebastián incluye ruinas clásicas, la misma donde aparece martiriado lo es; el estudio anatómico es uno de sus intereses, incluye un relieve de Baco pero parece simbolizar el triunfo del Cristianismo sobre la Antigüedad clásica.
            En 1460 Mantegna se establece en Mantua como pintor de la corte de Ludovico Gonzaga y renueva la decoración de sus palacios. 
Realiza la Cámara de los esposos donde es patente la falta de luz, de atmósfera pero crea la sensación de ruptura de límites, de prolongación del espacio real y comenza también la pintura ilusionista de techos que tanto éxito va a tener en el Barroco: abre un óculo ficticio donde se asoman los personajes. Transforma una estancia cerrada, sin vanos en una galería abierta al paisaje, sigue realizando escorzos, moviendo los personajes delante de muros ficticios. Las escenas son de carácter histórico.







6 comentarios:

  1. Muchas gracias me ha servido esta página para comprender mejor la historia del quattrocento en Italia y fuera de ella.
    Felicidades

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  2. Gracias, me sirvió muchísimo la página :D
    Karina.

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  3. cual fue la tecnica de mantegna camara de los esposos ?

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  4. La técnica empleada por Mantegna fue el fresco, era la más común en la pintura parietal en Italia. El temple se solía utilizar sobre tabla (Nacimiento de Venus de Botticelli, 1485) aunque el experimento de Leonardo en la Santa Cena lo aplica a la pared sobre yeso, como el fresco , con dudoso resultado. El óleo va a ser menos utilizado que en Flandes y además se va a utilizar sobre lienzo o tabla (Paolo Uccello en la Batalla de San Romano, 1450) ya que en Italia aún se mantenía la tradición gótica de pintar sobre pared.

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  5. Gracias por tus conocimientos, estoy estudiando "El Renacimiento" en "Historia del Arte", y la verdad es que me ayuda mucho tu blog.

    Un saludo.

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